Los diferentes conceptos y relaciones entre las artes escénicas e internet y cómo la actividad va mutando y modificando en esa interacción, fue la premisa de la tercera charla “Teatro e Internet”, protagonizada por Elio Osés y Pablo Osés, por TEATRA; y Pablo Liñares, Marcos Krivocapich y Marcelo Bertuccio, por TIA quienes presentaron su última obra para esta plataforma “Calamareti”, integramente por más de 60 actores del CIC.
La charla comenzó con Elio y Pablo Osés que definieron el proyecto teatra.net que se ocupa de mejorar la difusión de las obras teatrales:
Teatra es un sitio web, una plataforma audiovisual dedicada a las Artes Escénicas. Creemos que hoy por hoy, Internet está logrando que converjan todas las actividades sociales, políticas y económicas. Y en ese sentido el teatro no puede quedar excluido. Con Internet, el mundo entero hoy es la sala teatral. Por este motivo estamos tratando de saltar las barreras idiomáticas y geográficas. Que uno, con el sólo hecho de compartir territorio geográfico con una obra en cartel, sepa dónde es y cuánto sale ir a verla.
Hay una convergencia digital que está sucediendo en todas las industrias culturales. El primer terremoto fue con la música, con Napster que causó que las discográficas entren en crisis y luego puedan resurgir. Lo que llevó también a no pocos vericuetos legales. Después pasó con el cine y las películas, una vez solucionado y sobredesarrollado el ancho de banda que lo posibilita. Pasó la convergencia digital con los libros, y está pasando a manera de último sismo, con las series de televisión.
Estamos tratando de producir un espacio en donde las artes escénicas y las obras teatrales, tengan dónde distribuirse. Y, a través de contenidos monetizados, también ayudar a sustentar económicamente las obras teatrales. Es también un método de difusión ya que nuestro catálogo es universal. Las obras publicadas en Teatra, independientemente de su país de origen, están disponibles a nivel global.
Otra arista que contiene Teatra es el hecho de la memoria digital que supone a las obras registradas en la página.
El usuario final de la página, paga un ticket que le permite ver por streaming hasta cinco funciones distintas de la obra. Además, permite que un productor de cualquier parte del mundo pueda contactar al grupo en caso de estar interesado en programarla en su país o en Festivales Internacionales.
Permite también una alternativa más a mirar una película o un espectáculo deportivo por Internet Además de ofrecer la posibilidad de distinguir el patrocinio. El grupo puede otorgar tickets a modo de regalo corporativo, a las empresas patrocinantes del espectáculo. Para poder barrer cualquier tipo de limitación nosotros ofrecemos las obras en el sitio en formatos compatibles con Windows, Mac y Linux, en calidad HD y subtituladas en por lo menos tres idiomas: Inglés, Español y Portugués.
Las obras pueden estar como contenido monetizado o como contenido gratuito. La plataforma está pensada tanto para recaudar como para promocionar. Internet no tiene techo ni limitaciones. Por lo que cualquier obra compite con cualquier otra en igualdad de condiciones, independientemente de la estructura de producción de cada una.
Como segunda ponencia dentro de la misma charla, Marcelo Bertuccio junto a Marcos Krivocapich y Pablo Liñares, explicaron a los presentes de qué se trata TIA (Teatro Intimísimo Audiovisual), que supone el primer desarrollo independiente pensado exclusivamente para Teatra.
TIA se produce para ser divulgado a través de Teatra. Es un proyecto audiovisual de raigambre teatral cuyo objeto es la difusión y el archivo de textos teatrales, a través de Internet y en este caso, a través de Teatra.
Cuando pensamos en la relación entre Teatro e Internet, pensamos en algo capital que el Teatro pierde en esta relación y es nada menos que la presencia compartida. Desde los inicios mismos del teatro todos, espectadores y actores, nos movilizamos hacia un lugar común para generar un suceso comunitario.
Esto irremediablemente desaparece en su relación con Internet. Pero deja lugar a algo nuevo que es la difusión exponencial y mucho mayor de lo habitual.
TÍA propone obras difíciles de catalogar que tiene algún antecedente en la música y en algunos recursos publicitarios que comparten ciertas cuestiones formales con esto. Se trata de una obra dicha por muchos actores que trabajaron individualmente a cámara en primer plano contribuyendo a un proyecto colectivo. De manera tal que la totalidad de la obra sólo es posible en la completiva personal e íntima de estos fragmentos situados en la cabeza de cada espectador, haciendo de este espectáculo un hecho privado e intransferible, tal cual el teatro clásico. Por el momento, el recurso formal es éste y se trata de las primeras dos obras que, también por el momento tomamos la decisión de exhibirlas de manera gratuita en Teatra.
Las Jornadas concluyeron con la posibilidad de conocer los inicios en la actuación de reconocidas figuras de la interpretación nacional. Julia Calvo, Valeria Lois, Diego Gentile y Martín Slipak; moderados por la Prof. Celia Muggeri y el Prof. Guillermo Flores; expresaron la forma en que llegaron a las artes escénicas. Evidenciando que los caminos son muchos y que lo que siempre prevalece es la capacidad de saber escuchar la revelación interior que nos demanda el amor a la profesión. La charla se tituló “Actuar en Cine, Teatro y TV” y respecto de las diferencias y semejanzas entre estas tres facetas de la interpretación, esto fue lo que dejó:
JULIA CALVO – “Si no hubiese otro personaje en el escenario, no sabría qué hacer. A mí me completa el otro”.
Soy actriz de teatro, porque es lo que conozco y sé hacer. La cámara de televisión hizo que, además, me divierta muchísimo, por esto de ser casi un estreno y despedida en cada escena. Evidentemente, la formación actoral me lo permite, me divierto mucho grabando.
En cine tuve muy pocas experiencias, solo tres películas, pero una sola realmente importante en cuanto a desarrollo de personaje “Ciudad en Celo”, y me di cuenta que el trabajo es adivinar lo que el director se imagina, y amoldarme a eso.
Creo que más allá del formato; teatro, cine o televisión, por más que me ponga a componer un personaje, al momento de verme frente al espejo con el vestuario, el maquillaje, el calzado o la peluca, todo me empieza cerrar mucho más. Pero lo más importante es el otro. Si no hubiese otro personaje en el escenario, no sabría qué hacer. A mí me completa el otro.
Si tuviera que hacer una escala de preferencia, empezaría por el teatro por el hecho que vengo de ahí desde tercer grado. Después la televisión, porque me completa, porque la siento como otro oficio y porque me divierte , y en último lugar el cine, porque considero que todavía no tengo tan claro cómo es el trabajo del actor en cine. No me considero aún una actriz de cine, ojalá lo sea.
DIEGO GENTILE – “Poder subir o bajar la intensidad según lo que tenemos por delante”.
A mí también me divierten mucho los tres ámbitos. Creo que hay algo del actor que funciona como un dimmer interno que hace que la energía que uno proyecta sea distinta según se trate de un escenario de teatro, una cámara de cine o un estudio de televisión. Esta bueno que uno tenga ese músculo que le permita tener un abanico amplio de registro. Quizás por eso salta tanto cuando ves un actor que es muy bueno en teatro, pero lo ves en otro formato y quizás pone mucha energía o intensidad en la forma.
Yo creo que el punto justo sólo te lo da el hacer, no creo que haya una técnica. Lo que le sirve a uno quizás no le sirva a otro. “Hacer haciendo” hace que se encuentre lo que nos queda cómodo o incómodo para mover luego la vara de nuestros desafíos. La metáfora del dimmer tiene que ver con esto. Poder subir o bajar la intensidad según lo que tenemos por delante.
VALERIA LOIS – “Con el cine me pasa lo mismo que con el mar, le tengo mucho respeto”.
Me parece que los cuatro actores aquí presentes tenemos una fuerte referencia en el teatro. Y desde allí llegamos a otras áreas. Y creo que está bueno decirlo porque también hay actores que provienen más de la televisión o del cine, para llegar luego a las otras áreas. O incluso actores que son sólo de televisión o sólo de cine.
Yo al igual que Julia trabajé poco en cine. Y también trabajé poco en televisión. Estoy de acuerdo con Diego en esto de que el actor es el mismo y que sólo debe subir o bajar su energía, y de esa manera aprender a conocerse. A reconocer su rendimiento en los distintos lugares. Yo siento que veo actores que a partir de tal o cual película, empezaron a entenderse más a sí mismos. Que llegan a estar en plena conciencia de lo que producen en la gente. Me parece algo muy necesario, poder reconocer el nivel de rendimiento que tenemos en el escenario o frente a la cámara o en el set. A mí me gusta hacer las tres cosas. Este año la televisión fue algo nuevo para mí, pero la pasé muy bien. Y con el cine me pasa lo mismo que con el mar, le tengo mucho respeto. Pero me parece que tiene que ver con que, cada vez que he tenido que componer algo para cine, todo lo que se arma alrededor, el equipo trabajando y la cantidad de cuestiones técnicas y a su vez mágicas , hacen que uno se sienta un ingrediente más, casi el último. Uno ve al cámara y cree que lo está mirando a uno y en realidad está mirando detrás de uno, alguna cuestión de la luz o algo así. En la televisión también me pasa, esto de que se corte la grabación y te digan que no tiene que ver con lo que estás haciendo vos, que es un problema técnico. Esto del actor que deja de ser el centro de la escena. A veces te dicen “mala nuestra” y en realidad cortaron porque no les gustó lo que hiciste, es algo que me parece muy divertido. Esto del ego que tenemos los actores me parece que en el cine y la televisión se corre un poco. Hay doscientas cosas a tener en cuenta más o tan importantes para la pantalla aparte de uno. El teatro, por una cuestión presencial, depende más de nosotros.
MARTÍN SLIPAK –“Es imposible querer actuar como uno quiere actuar”
Yo acompaño la idea de que se trata de una cuestión de adaptarse a los diferentes lenguajes. Incluso creo que dentro mismo del teatro, el cine y la televisión, se hablan lenguajes diferentes. Una cuestión de registros y expresiones. Yo siempre insisto en el estado presente, no imponer ni anteponer idea alguna. En el teatro quizás sí hay un tiempo más grande para construir una idea en la que uno se apoya, y que le permiten caminar todos los días con el mismo paso a pesar de todo lo diferente que uno trae cada día. La actuación se modifica constantemente por todos los elementos que hay alrededor. Es imposible querer actuar como uno quiere actuar.
Por ejemplo, en cine hay casos en los que el director arma la puesta en relación a cómo el actor ensaya la escena, y hay otros directores que tienen una puesta en escena preconcebida y uno tiene que adaptarse a esa puesta. Esto inevitablemente varía la actuación y uno frente a eso no se tiene que trabar, sino ver en ese desafío y en ese camino que te está planteando el otro, qué es lo que tenemos que hacer. En teatro también me ha pasado, que se haya cambiado el actor que interpreta a otro personaje. Y esto también varía tu actuación. Es otro cuerpo, otra voz, otra manera de decirte las cosas, otra musicalidad, otra mirada y uno reacciona frente a eso. Uno no puede pensar que ya tiene todo armado, sino dejaría de ser un fenómeno vivo. Este es el punto, el tiempo presente y poder acomodarse a los diferentes lenguajes que provienen del lugar, de la gente, del estado de ánimo, del tamaño de plano en el que estás actuando, por todo.
Una vez más, el CIC vivió una tarde especial, intensa, lúcida, reveladora del hacer. Tan importante para la formación de sus alumnos. Ofreciendo una vez más no sólo el espacio de expansión sino también la forma y el espejo en que esa formación es correspondida en la experiencia de los grandes actores y docentes que posibilitaron este importante encuentro.
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